“La isla de las flores” (Ilha das Flores, 1989), del documentalista brasileño Jorge Furtado, es un cortometraje que rebosa talento y perspicacia. Retrata una realidad tan cruel, que nada puede seguir igual tras su visionado.
El planteamiento es el siguiente: seguimos el recorrido de un tomate (sí, sí, un tomate) desde que es recolectado hasta que llega a la Isla de las Flores. Un recorrido muy ácido, muy irónico, que provoca una profunda reflexión sobre… mejor no añado más. Vedlo. Es de esas piezas que hay que ver.
El cortometraje obtuvo numerosos premios, entre ellos el León de Plata a Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Berlín.
Sobre el director:
Jorge Furtado es el cineasta brasileño más premiado de la actualidad. Nacio en Porto Alegre, Brasil, el 9 de junio 1959. Sus primeros trabajos fueron en la TV, como asistente de producción junto a un grupo de estudiantes de la Universidad Federal de Río Grande do Sul. Ha escrito guiones para cortometrajes y largos de ficción. Entre los cortos más destacados que ha dirigido se encuentran: O día em que Doríval encarou a guarda (1986), Barbosa (1988) y A matadeira (1994); En 1989 obtiene un resonante éxito con su documental La isla de las flores (1989).
Con “Esta no es tu vida” obtuvo el primer premio del Festival de Clermont-Ferrand, en Francia, que es considerado el Cannes de los cortos. Conquista varios premios en su país con su primer largometraje Houve uma vez dois verões (2002) y repite la experiencia con El hombre que copiaba (2003) - trailer. Fuente: aquí
“The best thing of all is there´s time now, all the time I need and all the time I want. Time, time, time…”.
Esta es la frase con la que Henry Bemis, el entrañable protagonista del eposodio “Time enough at last” (1959) de la mítica serie Twilight Zone, celebra que por fin ha encontrado tiempo para hacer lo que más le gusta en la vida: leer. Tiempo, tiempo y tiempo…
Os dejo con este divertido corto con el deseo de que esta Semana Santa, sin hecatombes nucleares de por medio, tengáis tiempo para hacer lo que más os guste.
“Lo que hacen mis amigos” es la nueva sección del blog. Nace por un motivo muy simple: siento que a mi alrededor hay gente con muchísimo talento y me he propuesto mostrárselo al mundo, aunque sea desde esta humilde página. Gente que poco a poco van labrándose un futuro en sus respectivas disciplinas, precisamente en un momento en el que la palabra “futuro” resulta tan frustrante, pero ellos lo hacen con ilusión, con ganas, y con ingenio.
Conozco a Nadia (Madrid, 1983) porque fuimos compañeras en la ECAM. Nadia estudió dirección cinematográfica y se graduó con el cortometraje “Preguntas frecuentes” (2006). Actualmente trabaja como directora de videoclips y ha aceptado inaugurar esta sección. Así que, ¡allá vamos!
¿Cómo empezaste en el mundo videoclipero?
Mis comienzos en el mundo del videoclip son de lo más casero: grabé un vídeo en stop motion con una cámara mini dv que me habían regalado mis padres, y mi hermana y un amigo fueron los protagonistas de la historia. Este videoclip lo hice porque me apetecía, no era un encargo. En ese momento, la música era un refuerzo a las imágenes: escogí una canción de Camera Obscura que coincidiera con lo que yo quería contar e hice el vídeo. Quizás era más un cortometraje que un vídeo musical, pero me sirvió para expresarme y plantear situaciones que me interesaban. Lo pasamos genial y descubrí que era un formato que me apasionaba.
Desde entonces, mi concepción sobre el videoclip ha cambiado muchísimo. Ahora son las imágenes las que vienen determinadas por la música. Después de hacer otro vídeo más con mis amigos, Elefant Records se interesó por mi trabajo y me ofreció mi primera oportunidad “en serio”: hacer el videoclip del single Nuevo Futuro para Corazón. Fue una experiencia agotadora, porque pusimos toda la energía de los principiantes en el proyecto, pero es uno de los trabajos de los que más orgullosa me siento.
Aparte de realizarlos, ¿cuál es tu grado de implicación?
Mi grado de implicación es muy grande: normalmente escribo los guiones, llevo la producción (incluyendo vestuario y arte) y últimamente hago el primer corte de montaje. Los vídeos que he realizado no dejan de ser productos pequeños, para lo que me convierto en “mujer orquesta”: al tener presupuestos tan bajos, el equipo se tiene que reducir al mínimo. Creo que es una gran escuela, porque aprendes a hacer mucho de muy poco, a renunciar a cosas que pensabas que eran indispensables y encontrar soluciones diferentes que a veces mejoran el resultado final (aunque en otras, la frustración es inevitable).
¿Cuáles son tus referentes?
Mis referentes son muy variados, y van desde Charlie Chaplin, Jaques Tati hasta Michel Gondry. Creo que siempre me he fijado en directores y guionistas “optimistas”, que transmiten una sensación final positiva, sin evitar la tristeza o la ironía. Me influyó muchísimo el boom de los nuevos realizadores de videoclips, como Spike Jonze, y en general, el tipo de videoclip que crea un universo fantástico donde el músico es la estrella, como los videoclips de Michael Jackson o Lady Gaga. Es algo que me preocupa mucho, que el espectador se sienta atraído por la figura del artista más allá de la canción o la historia que cuente el videoclip.
¿Cuál es el proceso habitual en la realización de un videoclip?
Normalmente pido al grupo que me dé todas las influencias que haya tenido mientas escribía la canción, las imágenes que se imagine o la estética que le gusta. Con el tiempo, he ido aprendiendo a “escuchar” al artista. Me costaba no imponer mis ideas sobre el tema, y ahora creo que esa conversación con el autor de la canción es fundamental. A veces, el músico tiene una imagen muy clara, y tu función es trasladar a imágenes esas ideas. Después de escuchar las propuestas, analizar todo el material y escuchar la canción tantas veces como pueda, llega el momento de presentar un proyecto. Obviamente influye mucho el presupuesto, y la idea se define, entre otras cosas, por la cantidad de dinero que tengas.
A partir de que el artista da su aprobación y la discográfica está de acuerdo, comienza el espectáculo: encontrar el equipo, buscar las localizaciones, hacer el cásting, elegir el vestuario… El rodaje suele ser de uno o dos días(aunque en Todas tus amigas grabamos durante tres jornadas) y el montaje suele ser mucho más largo (dos semanas). La distribución del videoclip depende del director-productor, y de cuánto puedas invertir en el envío a festivales.
Alguna anécdota o curiosidad…
Después de varios rodajes tengo un montón de anécdotas que contar: desde el día que nos quedamos atrapados en la nieve en un hospital abandonado, en el rodaje de Corpus Christi, hasta “mi vuelta al colegio” por el rodaje de “Can I stay with you”: parte del videoclip lo rodamos en mi escuela, donde me reencontré con los profesores de mi infancia. En este vídeo, además, conté con la interpretación de mi padre y de varios amigos.
Quizá la historia más bonita es la que ocurrió durante el rodaje de “Todas tus amigas”, donde el grupo de actrices que protagonizaba el videoclip se convirtió en un grupo de amigas de verdad. Después de dos años haciendo videoclips, me he dado cuenta de que esta clase de proyectos pequeños salen adelante por la energía y la confianza de la gente que participa en ellos.
Cómo se plantea el futuro, ¿estás con algún nuevo proyecto?
Ahora mismo estoy en la fase de montaje de mi último videoclip, “Nunca bailo” de Parade. Es el tercer videoclip que hago para este grupo, y cada vez es una experiencia genial. Aparte de contar con el grupo al completo, he podido trabajar con dos actores estupendos y un equipo genial.
Estoy preparando diversos proyectos personales, y me gustaría seguir haciendo videoclips en el futuro. La industria está sufriendo una grave crisis, y creo que el nivel de implicación en estos proyectos tiene que ser aún mayor para poder llevarlos a cabo.
- Dar su oportunidad a los personajes. No condenarlos de antemano, como en el melodrama, no oscurecerlos ni hacerlos más claros artificialmente. Para los papeles secundarios, pensar en dar a cada uno “su momento” en el film, la escena en la que se expresa totalmente, en la que llegará hasta lo más profundo de sí mismo.
- Cultivar con discreción la ambigüedad, e incluso el difuminado. Saber que la dirección y la interpretación -una mirada aquí, un gesto allá- dirán mucho más que unas frases, lo dirán, en todo caso, de otro modo. Los buenos personajes avanzan siempre dentro de una zona de incertidumbre. Su acción no está trazada de antemano. Todo puede suceder. Y lo que sucede en su rostro y en su cuerpo, lo interpretarán los espectadores con frecuencia de manera personal, diferente cada vez. Cada uno de ellos, a su modo, completa, termina el personaje.
- No se tema partir de un cliché, de una situación conocida. Trabajándola se llegará a la originalidad, poco a poco. Mientras que buscando a cualquier precio una situación de partida absolutamente original, por ellos mismo desconocida, espantosa, se la rechazará poco a poco, se la suavizará, se la redondeará, para terminar, prosaicamente, en lo convencional. Recuérdese la frase de Hitchcock: “Más vale partir del cliché que llegar a él”. Y algunas citas célebres también: “Todo lo que no es tradición es plagio “(Eugenio d´Ors) y “La originalidad es la vuelta al origen” (Antonio Gaudí).
- Pensar a cada instante en la fórmula sacrosanta, tan a menudo olvidada: “No anunciar lo que va a verse. No contar lo que se ha visto”.
- Imaginar imágenes compactas, hermosas y ricas, imágenes emblemáticas, que cada una parezca contener la película entera. Buscar para cada escena la imagen central y construir la escena alrededor de ella. No hacer intervenir el diálogo sino en segundo lugar, a menos que el centro mismo de la escena sea una palabra o un efecto sonoro.
- Conservar siempre en el espíritu un solo elemento teórico: todo acontecimiento dramático, para ser plenamente satisfactorio, debe ser a la vez inesperado e inevitable. Desenvolverse lo mejor posible en esta admirable contradicción.
- Repetir tres veces en voz alta cada mañana aquella cita de Chejov: “Lo mejor es evitar toda descripción de un estado del alma. Hay que intentar hacerlo comprensible por las acciones de los héroes”.
(Práctica del guión cinematográfico, J.C Carriere, Pascal Bonitzer, Paidós Comunicación).
Hay películas que vemos en la adolescencia que se nos quedan grabadas a fuego en el cerebro. En mi caso son tres: La cabina (A. Mercero, 1972), Belle de Jour (L. Buñuel, 1967) ) y Perros Callejeros (José Antonio de la Loma, 1977). En los tres casos, encontré las películas por casualidad, en la televisión, y todavía recuerdo cuánto me impactaron. Ayer, mientras trabajaba, volví a encontrarme con La cabina, después de mucho tiempo sin verla y comprobé que sigue tan magnífica como yo la recordaba. Aunque es de sobra conocida por todo el mundo, la cuelgo aquí para los despistados. Y si alguien se anima a comentar las tres películas que más le impactaron en su adolescencia , que se anime a compartirlas (de las de la infancia ya hablaremos otro día).
La cabina es un mediometraje dirigido por Antonio Mercero, con guion del propio director y José Luis Garci. Es una de las ficciones más premiadas de TVE, galardonada con un Emmy.
Estoy segura de que muchos futuros -y presentes- guionistas aprovechan este descanso navideño para darle “caña” a los proyectos personales. Sé de muchos amigos guionistas -futuros y presentes- que lo están haciendo. Para ellos, y para todos, recomiendo este cortometraje: “George Lucas in love” de Joe Nussbaum (1999).
Hace unos días estuve echándole un ojo al libro La medida de los tiempos. El cortometraje español en la década de 2000 de Jara Yáñez, una detallada compilación sobre el cortometraje español de la última década. El libro es completísimo ya que revisa estadísticamente todos las formas de financiación (subvenciones, festivales, concursos, etc.), así como la distribución y la exhibición del cortometraje. Contiene también un buen número de artículos “transversales” que suponen un repaso a todo lo que ha dado de sí esta última década en lo que al cortometraje se refiere.
Me he puesto a hacer memoria sobre cuáles han sido esos cortometrajes que durante esta última década más me han sorprendido, agradado, o entusiasmado y he sacado una pequeña lista de 10 títulos (en orden aleatorio).
Lo nuevo de Spike Jonze es un cortometraje titulado Morir a tu lado (Mourir auprés de toi). Lo he encontrado en el blog de Filmin y no me he podido resistir a colgarlo.
Posted by melonesysandias 
